洛可可风格油画_洛可可风格油画代表人物

洛可可风格油画_洛可可风格油画代表人物

       好久不见了，今天我想和大家探讨一下关于“洛可可风格油画”的话题。如果你对这个领域还不太了解，那么这篇文章就是为你准备的，让我们一起来学习一下吧。

1.洛可可时期绘画特点

2.巴洛克艺术与洛可可艺术的共同点与不同点？

3.洛可可风格与巴洛克风格的区别是什么？各自有什么特点？

4.“罗可可”艺术的代表画家有那些？

洛可可时期绘画特点

       18世纪初，是一个富于魅力的历史转折期。欧洲开始工业革命，航海技术的逐步完善使得驾船远航成为可能；而中国这时正值康乾盛世时期，虽说执行“闭关锁国”政策，但是自16世纪利玛窦同学来到中国后就促进了东西文化的交往。无论怎么说吧，反正这个时期我国的瓷器，以及设计方面的思想传入了欧洲，欧洲人终于摆脱了笨重的银餐具，开始使用“薄如纸，光如镜，温如玉，声如磬”的瓷器了~

        而1715年路易十四逝世，法国进入了路易十五时代。路易十五宠爱的情妇蓬帕杜夫人，不仅参与军事外交事务，还以文化“保护人”身份，左右着当时的艺术风格。也就是在她的倡导下，产生了洛可可艺术风格。

       小蓬巴杜夫人

       此前的欧洲还处在巴洛克风格时期，巴洛克是一种阳刚的艺术，这种阳刚的艺术加上中国设计风的玲珑婉约又经过蓬帕杜夫人这女性的手而最终在法国形成了一种新的，与巴洛克风格相对应的，阴柔的洛可可风格。

       洛可可时期最耀眼的男人——路易十五

       洛可可Rococo这个字是从法文Rocaille和意大利文Barocco合并而来。Rocaille是一种混合贝壳与小石子制成巴洛克风格的室内装饰物，而Barocco即巴洛克（Baroque）。是种与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的艺术样式。

       洛可可时期最耀眼的男人——路易十五

       洛可可本身就是由宫廷发展起来的风格，所以无怪于它的奢华与风流。路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会，藉著繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们，再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境，有利搞风流韵事，以便消耗贵族们的精力，使他们无暇去策划造反。因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景，其唯一的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐。洛可可风格正是这种纸醉金迷的生活写照。

       绘画

        洛可可风格的绘画以上流社会男女的享乐生活为对象，场景总是豪华，愉快，充满了情欲。女人的肌肤总如瓷器一般的细腻，装饰精美华丽繁复并用很多S形和C形的曲线。

       华铎（A.Watteau, 1684～1721），路易十五时代的宫廷画家，他是一个体弱多病，性格孤僻郁郁寡欢的人，这在他的作品中留下了深深的印迹。他先后跟随一些洛可可风格的先驱学画，当其画风成熟后，又倾心于鲁本斯、提香等前辈。他善于表现微妙的色调变化，常在灰调中加上几笔鲜亮的色彩，使画面为之一振，但又始终保持着美妙与和谐。《到西西瑞岛朝圣》《小丑》《梳妆》

       《梳妆》44×37厘米 藏于英冠伦敦华莱士收藏馆

        **慵懒的身躯，华丽光滑的织物和床头的卷毛狗都是洛可可式的。色彩从极亮到极暗间柔和的转换真的很有提香的感觉，而且他的作品中也明显看出巴洛克的痕迹，他是一个过渡期的画家，风格有点复杂

       布歇（ Boucher, 1703～1770），法国国王的首席宫廷画师，是杜巴利的绘画

       老师。《浴后戴安娜》《蓬巴杜夫人》《维纳斯的梳妆》

       《浴后的戴安娜》 1742年 51×73厘米藏于法国巴黎卢浮宫

       画中女神看起来想人间美丽的贵妇，人体成优美的S形曲线，肌肤如陶瓷一般。画面减弱了明暗的对比，加大了冷暖的反差，是整个画面充满了闪亮的阳光感，成为美术史中的里程碑式的作品。

       《蓬巴杜夫人》1758年 78×66厘米 英国伦敦华莱士陈列馆

       《蓬巴杜夫人》是布歇为蓬巴杜夫人所做的肖像画之一，它即让我们见证布歇细腻华丽的画风，同时也目睹了文化巨人蓬巴杜夫人的风采。

       《维纳斯的梳妆》 1751年 108.3×85.1厘米 油画 藏于美国纽约大都会博物馆

       人体是安排在神话场景中的。画中维纳斯融女性娇柔于一体，即使在一群天使的围绕下也少有宗教气氛。那些显得贵重的衬布在空中的转折飘浮极有装饰意味。

       《维纳斯的胜利》 1733年 51×63厘米 油画 藏于瑞典斯德哥尔摩国立美术馆

       此画有明显不同于古典主义追求理想美的风格，是典型的洛可可式充满享乐和肉欲感觉的作品。另外，此画在色调处理上偏暖，用色柔和，使得维纳斯与女神们的身体具有瓷质感。

       弗拉哥纳尔（J.H.Fragonard,1732～1806），以华丽的沙龙生活为乐，以当代风俗为主作画，用轻快的笔触表现抒情、风雅的诱人画面。紧扣洛可可风格情欲主题的代表画家《荡秋千》《闩》

       《荡秋千》 1766年 81×64厘米 油画 藏于英国伦敦华莱士美术馆

       作品描绘的是一对贵族夫妇在茂密的丛林中游玩戏耍。年轻的贵妇人正在荡秋千，眼光中充满挑逗，她故意把鞋踢进树林中，其夫被引得四处忙乱地寻找，她反而恣情大笑。作品趣味虽然轻佻俗艳，却很符合当时贵族的口味，无论题材与形式，都体现了典型的洛可可风格。

       《闩》 1777年 73×95 布油彩 藏于法国巴黎卢浮宫

       作者的这种色情主题的紧凑的洛可可式风格，引起喜爱高雅严谨风格的画家的争论。以高超的手段，把礼规之下不能用形象表现出来的东西暗示出来，正是弗拉戈纳尔绘画成就的一部分。

巴洛克艺术与洛可可艺术的共同点与不同点？

       巴洛克是指自17世纪初至18世纪上半叶流行于欧洲的主要艺术风格。该词来源于葡萄牙语barroco，意思是一种不规则的珍珠。文艺复兴时期的人文主义作家用这个词来批评那些不按古典规范制作的艺术作品。巴洛克风格虽然继承了文艺复兴时期确立起来的错觉主义再现传统，但却抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范，追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界。巴洛克风格在绘画方面的主要代表是佛兰德斯画家鲁本斯，在建筑与雕刻方面的主要代表是意大利的贝尔尼尼。

       18世纪以来，艺术史家和考古学家们特别重视风格的研究。所谓风格意味着一件作品是依照某种特定的组合方式而构成的，它本身有着内在谐和的一致，但又明显地区别于其他的风格，故能给人以深刻的印象。风格的形成，是某一个时代和作者艺术发展成熟的表现。

       不过，巴洛克作为一种风格，却一直是艺术史家们争论的问题。巴洛克一词的原义，含有不整齐、扭曲、怪诞的意思，大约是18世纪古典主义者奉赠给自己不太赞同的前辈艺术的一个称号。从时间上说，巴洛克流行于17世纪至18世纪初。所以有人把整个17世纪各国的艺术——意大利、西班牙、弗兰德尔、荷兰、法国……都列在巴洛克范围之内。

       洛可可风格于18世纪20年代产生于法国并流行于欧洲，是在巴洛克式建筑的基础上发展起来的，主要表现在室内装饰上。洛可可风格的基本特点是纤弱娇媚、华丽精巧、甜腻温柔、纷繁琐细。它以欧洲封建贵族文化的衰败为背景，表现了没落贵族阶层颓丧、浮华的审美理想和思想情绪。他们受不了古典主义的严肃理性和巴洛克的喧嚣放肆，追求华美和闲适。洛可可一词由法语ro-caille（贝壳工艺）演化而来，原意为建筑装饰中一种贝壳形图案。1699年建筑师、装饰艺术家马尔列在金氏府邸的装饰设计中大量采用这种曲线形的贝壳纹样，由此而得名。洛可可风格最初出现于建筑的室内装饰，后扩展到绘画、雕刻、工艺品、音乐和文学等领域。

       洛可可的艺术风格，在音乐家莫扎特、海顿，文学家蒲伯、爱迪生、伏尔泰，画家华铎、康斯博罗的作品中，贯穿着一种共同主题，即把理性与优美趣味同轻松、明晰、秩序井然的材料相互配合起来。

       路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会，借着繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们，再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境，有意搞风流韵事，以便消耗贵族们的精力，使他们无暇去策划造反。因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景，其唯一的目的是塑造出一个悠闲的实际上是懒惰的快乐社会。洛可可是相对于路易十四时代那种盛大﹑庄严的古典主义艺术而言的，这种变化和法国贵族阶层的衰落、启蒙运动的自由探索精神（几乎取代宗教信仰）及中产阶级的日渐兴盛有关。

       学院派绘画一般意义上泛指通过学院严格训练、师生相传、层层因袭而具有一种保守性质的绘画。作为美术史上的学院派，起源于16世纪的意大利，而后流行于欧洲，盛及到18、19世纪的各个美术学院。最早的美术学院是意大利的卡拉奇兄弟开创的，那是建立于1590年的波仑亚学院，它的功绩在于结束了古老的、行会师徒传艺的、手工作坊式的教育，使整个美术教育大大前进了一步。其后的美术学院强调要继承文艺复兴时的古典艺术，追求形式的完美和内容的典雅。重要的代表画家有卡拉奇、列尼、勒·布朗、布格罗、大卫、安格尔等等。

       教皇英诺森十世像

       西班牙委拉斯凯兹继格列柯之后，委拉斯凯兹是西班牙画坛的又一位世界级巨匠。同时，作为鲁本斯的至交，因为受其影响，也是巴洛克艺术的又一名代表画家。

       委拉斯凯兹生于西班牙南部的塞维利亚，其父是一个破落的贵族。父母本不想让儿子学习艺术，指望他长大后做法官或律师，但无奈委拉斯凯兹从小迷恋绘画，不得已双亲将他送到写实主义画家艾雷拉处学习。虽然委拉斯凯兹颇喜欢老师的写实主义作品，但艾雷拉喜怒无常的脾气令他难以忍受。不久后他转入弗朗西斯科·帕切柯的画室进行学习。

       尽管帕切柯作为一个画家并不出众，可他却是一位极具古典绘画素养的渊博学者。委拉斯凯兹非常尊敬这位老师，在其膝下获得了高超的绘画技艺，并受到了人文主义精神熏陶。而其师也非常赏识这一年轻有为、才华横溢的得意门生，还将自己的女儿弗安娜许配给了他，在其晚年所著的《绘画论》中也经常提到他的这位高足。

       6年师满后，委拉斯凯兹在岳父的潜心栽培下成了当地优秀的独立画家。1623年，年仅24岁的委拉斯凯兹来到马德里，不久就成为国王菲利普四世的宫廷画师，住在宫殿里，并与当时只有19岁的国王菲利普四世建立了深厚友谊，而且将自己的余生奉献给了宫廷。在宫廷中，深受国王宠爱的委拉斯凯兹不仅是一名宫廷画师，他还在其他许多方面受到重用，并被授予“圣地亚哥骑士”的称号。

       委拉斯凯兹的宫廷生活开始不久，他便与作为外交使节来马德里宫廷走访的鲁本斯相识，成为好友。同这位巴洛克艺术大师的交往，以及对其作品的精心研究，使委拉斯凯兹获益匪浅，画艺也有了极大提高。鲁本斯也非常欣赏委拉斯凯兹的才能，建议他去意大利寻访学习。

       委拉斯凯兹于青年期和壮年期曾两度造访意大利，第一次是1629年，得到国王准许后随同西班牙统帅斯皮诺拉前去艺术之国意大利访问，画家在那里观摹并研究了丁托列托、拉斐尔、米开朗琪罗等大师的作品，艺术造诣得以提高，艺术视野得以开阔；第二次，50岁的画家则是为了买画而去。

       第二次出访归来后，委拉斯凯兹做了菲利普四世的礼仪官，为公主玛丽亚德丽萨和法国国王路易十四的婚事奔走。结婚仪式在1659年举行，上了年纪的礼仪官因这桩婚事而操劳过度，积劳成疾，不久就离开了人世。

       委拉斯凯兹在1649年第二次去意大利时在那里完成了一幅著名的肖像画《教皇英诺森十世肖像》。在这幅肖像中，画家既表现了此人的凶狠和狡猾，又表现了这个76岁老头子精神上的虚弱。画面上的教皇，尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情，但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱无力。画家巧妙地抓住了这一点，使人物形象变得更富有个性，从而给观众增加了很多联想的空间。这幅作品的油画技巧也是十分出色的。画面上，火热的红色表现了特有的宗教的庄严气氛;白色的法衣和红色的披肩形成了强烈的色彩对比。笔触十分流畅自由，表现出艺术家的高超技巧。

       因为耳熟能详的缘故，名画向来被捧得太高，很多名画很难激起观众视觉体验的惊奇，甚至令人厌倦。不过委拉斯凯兹的这张《教皇英诺森十世肖像》（1649）似乎是个例外。尽管问世已经300多年，但它依然能够强有力地震撼当代观众的感官知觉。从画的形式看，它与欧洲当时的其他肖像画没有什么两样，人物的姿态、构图都符合肖像画传统，这与画中那种不同寻常的真实感形成了强烈对比。它令人想起委拉斯凯兹同时代观众对作品的评价：所有其他的作品都是绘画，只有这一幅才是真实的。此画是委拉斯凯兹第二次访问意大利期间画的。

       作为西班牙国王腓力四世的宫廷画家，委拉斯凯兹在罗马，出席了教皇英诺森十世主持的1650年庆典。当时他还会见了同时代的画家普桑、雕刻家贝尔尼尼等人。就是在那里，应英诺森十世之请，委拉斯凯兹画了这幅有名的肖像画。据说当教皇本人第一次看到这张画时，几乎是吃惊而不安地说了一句话：“画得太像了！”

       这种真实显然来自画家对人性的观察深度。委拉斯凯兹和18世纪的西班牙宫廷画家哥雅在生平经历方面相似，艺术声望也相当，而且都为王室、贵族画过许多肖像画。但是哥雅毫不掩饰他对宫廷贵族的鄙视，他着力于揭示贵族们庄严华丽的外表与头脑的呆滞、内心的空虚之间的惊人对比，他的画笔锋利如刃。委拉斯凯兹则对各种身份的人一概平等对待，无论贩夫走卒，还是王公贵族，他都能画如其人，《教皇英诺森十世肖像》是一个很典型的例子。在这幅画中，他只是把对象当作一个人来表现，画出他的身份和他的性格。从这样的作品上看不到作者的好恶，因为他并不介入，他只是观察。正因为如此，委拉斯凯兹的教皇肖像在那个没有发明摄影术的年代几乎可以说是客观的写实绘画。画面上没有任何夸张，一切只忠实表现画家的视觉所见。

       创作此画时，画家刚过50岁，正值创作的盛年。如果说他早年的《卖水人》这样的作品还有卡拉瓦乔风格的影子，那么这时候的委拉斯凯兹早已创造了自己的艺术王国。他对解剖、造型、色彩的把握在这幅画中体现得淋漓尽致，以致于人们在这样的作品前很难意识到这只是一张画。人们的全部注意力被画家对人性的描绘的深度和广度所吸引，这是绘画史上的奇迹之一。难怪教皇会感到吃惊，他无论如何想象不到，这位西班牙画家竟能在他的善于伪装的外貌下真实地表现出一个以阴谋和狡诈著称的权势人物的内心世界。委拉斯凯兹的力量就在这里。

洛可可风格与巴洛克风格的区别是什么？各自有什么特点？

       不同点：

       1、兴起时期不同：巴洛克艺术兴起于17世纪到18世纪初期；洛可可艺术盛行于18世纪前半期。

       2、艺术特点不同：巴洛克艺术艺术特点主要表现为：流行巨大、沉重、怪异的建筑，表现出威严和力量；粗壮高大的柱子和屋顶雕像。

       洛可可其艺术特点由富丽堂皇的宫殿转变为小巧优雅的别墅，装饰风格由金壁辉煌变为潇洒轻巧。

       3、绘画风格：巴洛克艺术在雕刻绘画造型的姿势上形成强烈的反差。大型壁画和拱顶画产生出巨大的感染力和震撼力。

       洛可可艺术选用清单鲜明的颜色和精致的曲线构图，喜欢用基路伯小天使和爱情神话等来点缀画作，使得画面变得优美而又神秘。

       相同点：都流行于以法国为中心的欧洲。绘画的主题都是国王和贵族的肖像画。

扩展资料：

       巴洛克艺术代表整个艺术领域，包括音乐、建筑、装饰艺术等，内涵也极为复杂。但最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派，注重强烈情感的表现，气氛热烈紧张，具有刺人耳目、动人心魄的艺术效果。

       除了建筑和雕塑和绘画之外，巴洛克家具无疑是巴洛克艺术最市民化的一种表现形式了。法国国王路易十四号称"太阳王'，他对凡尔赛宫的奢华装修造成了大量巴洛克风格家具的诞生。

       宫廷艺术的发展造就了一大批巴洛克艺术大师。复杂的雕刻，名贵材料如柚木，黄金，象牙，紫檀木的大量使用，使得巴洛克家具成为了世界三大家具的代表之首。

       百度百科-洛可可艺术

       百度百科-巴洛克艺术

“罗可可”艺术的代表画家有那些？

       一、时代不同

       1、洛可可风格在巴洛克之后，是十八世纪初形成的，指路易十五时代的庄饰艺术，特色是采用许多优美的小弧形。法国洛可可艺术在十八世纪初期形成。主要是指路易十五时代的室内装饰艺术。

       2、巴洛克风格是十七世纪的艺术及其独特的风格。是文艺复兴后为教皇建筑形成的一种风格。巴洛克风格于17世纪盛行欧洲，强调线形流动的变化，色彩华丽。

       二、颜色不同

       1、洛可可的色彩相对柔和，主要有白色、粉色、金色、粉黄、粉绿等小清新的颜色。

       2、巴洛克用色大胆，颜色鲜明，给人富丽堂皇的感觉。

       三、象征手法不同

       1、洛可可是致力于各人快乐的寻求，更加彻底现实化的。画家擅长描写轻浮而逸乐的贵族生活。主要画家有华陀、布雪、弗雷哥纳尔。

       2、巴洛克是奉献给王权的，是富宗教与贵族之威严的象征。

       洛可可风格特点：

       1、强调力度、变化和动感，强调建筑绘画与雕塑以及室内环境等的综合性。

       2、突出夸张、浪漫、激情和非理性、幻觉、幻想的特点。不重实用性。

       3、色彩鲜艳。

       4、放弃古典形式。

       5、打破均衡，平面多变，强调层次和深度。

       巴洛克风格特点：

       1、曲线趣味，常用C形、S形、漩涡形等曲线为造形的装饰效果。

       2、构图非对称法则，而是带有轻快、优雅的运动感。

       3、色泽柔和、轻盈、华丽、精致、细腻。

       4、崇尚自然。巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。

       巴洛克风格的表现形式

       1、墙面：在室内将绘画、雕塑、工艺集中于装饰和陈设艺术上，多采用大理石、石膏泥灰或雕刻墙板，饰以华丽织物、精美油画，多彩法国壁毯；也有用深栗色木材墙板，间以蓝青、深绿织物饰面的；

       2、天花板：采用精致的模型装饰，布满雕刻；

       3、地面：铺华贵的地毯；

       4、家具：材料多用胡桃木、花梨木等硬木，采用大面积的雕刻，花样繁多的装饰，金箔贴面，描金涂漆，并在坐卧家具上大量应用面料包覆，靠背椅均用涡纹雕饰，采用优美的弯腿，座位靠背用豪华锦锻等织物；

       5、造型：大量使用曲面、圆形、椭圆形、梅花形、圆瓣形等；

       6、手法：正门上面分层檐部和山花做成重叠的弧形和三角形，大门两侧用倚柱和扁壁柱，立面上部两侧作两对大涡卷，柱子一般都粗大，而且古典壁柱与山花联结。

       1、简介：

        罗可可，同洛可可。

        洛可可为法语 rococo 的音译，此词源于法语 ro- caille(贝壳工艺)。 意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。

       2、流行：

        洛可可艺术风格的倡导者是蓬帕杜夫人(1721～1764)，她不仅参与军事外交事务，还以文化“保护人”身份，左右着当时的艺术风格。蓬帕杜夫人原名让娜·安托瓦内特·普瓦松，出生于巴黎的一个金融投机商家庭，后成为路易十五的情妇，被封为侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡导下，产生了洛可可艺术风格，使17世纪太阳王照耀下有盛世气象的雕刻风格，被18世纪这位贵妇纤纤细手摩挲得分外柔美媚人了。

        18世纪法国艺术是洛可可的天下，而且，已经成为欧洲近代文明中心的法国宫廷，把这种靡丽之风传出国界，甚至传到中国的圆明园。

        洛可可风格是宫廷艺术，这种风格是由于当时一些不严格遵循法国古典主义法则的因素而产生的，它并不是意大利巴洛克风格的必然后果。它的遵循理论是“师法自然”。人们都在谈论“师法自然”，但是，我们从现代角度去看，他们所谓的对自然的模仿只是让自然服从于社会的心血来潮，而这个社会并未完全做好使人真正感受到生活在自然之中，并且充满着对生活的神秘醉意的准备。这时的艺术家们对贵族俯首帖耳，同时贵族阶级又要求他们唯命是从。法国人的这一发明使教会中心真正转向沙龙中心，而这时的沙龙已与过去不同，各种绘画展览都被称之为“沙龙”。画家、雕塑家、木刻家、铜板画家、珠宝商、金银器皿商、细木家俱商、理发师、裁缝、制靴匠，所有的人都对洛可可这种在结构脆弱的高雅文化基础上绽开的美艳之极的花朵趋之若鹜。在每个角落，在高谈阔论的男子和楚楚动人的女子周围，从木器、水晶器皿、糕点、大理石、地毯到陈列柜及里面的餐具，从四轮马车到轿子，从前厅到卧室，洛可可风格无所不在。这是上流社会的艺术，它滥用着并且吸干了艺术家们的殷勤，用窃来的爱情和移植的花朵分散了艺术家们的注意力。这种不断向上攀缘的结构尽管放射出璀璨的光辉，但它却被禁锢在高雅文化周围，渐渐地疏远了其天然的源头。令人遗憾的现象出现了：这种蜿蜒缠绕的曲线，限制了装饰师们在空间中实现全面发展的自由，并且总是把它导向为使人难以摆脱的社交活动服务的轨道，而这种装饰艺术正是顺应这一需要才得以问世的，它成了王公贵族的俘虏。

       3、代表人物：

        洛可可艺术的灵魂式人物是绘画大师弗朗索瓦·布歇。他在天花板、屏风、车把手、门的正面、首饰盒和瓷器上，可以说在任何地方，都绘制了牧歌式和田园曲式的爱情神话故事题材。布歇和蔼可亲，慷慨大方，注重享乐，受到男男女女的喜爱。他和自己的时代不断地交换看法，询问个人和这个时代应该做些什么来爱这些男女，并获得他们的热爱。他因此获得“皇家首席画家”的称号。

        代表洛可可雕刻最高成就的是受蓬帕杜夫人赏识的两位艺术家：皮加尔和法尔科奈。

       让-巴蒂斯特·皮加尔(1714～1785)访问过意大利，是争取罗马大奖──王家绘画雕刻学院为优秀学生提供赴设在罗马的法兰西学院进修而设立的竞赛奖，失败之后自费去的，足见他对意大利艺术的向往。他在罗马作的《系鞋带的墨丘利》小稿，在他1741年回巴黎时，为他赢得进入王家绘画雕刻学院成为院士的荣誉，而且以此稿完成的云石像连同他的另一件作品《要墨丘利传信的维那斯》一起，被路易十五当作礼物赠给了普鲁士国王腓特烈二世。他为蓬帕杜夫人工作了十年，以她为原型作寓意像的《妆扮友谊之神蓬帕杜夫人像》和《爱神拥抱友谊之神》非常精彩，他把这位艺术保护人表现得既高贵又亲切，既聪慧又迷人，他有别于同代雕刻家的地方是他也追求其它艺术风格，如在他去世前完成的《拔刺少女》，追随希腊古风，为他一生的创作画出句号。他的这一面，在其学生乌东的艺术中得到了发扬。

        与皮加尔齐名且是对手的艾蒂安──莫里斯·法尔科奈(1716～1791)，也和皮加尔一样出自让-巴蒂斯特·勒穆瓦纳门下，也在罗马大奖争夺中败阵。但他安心留在法国而未赴意大利“朝圣”。他终于成为洛可可雕刻最杰出、最典型的代表人物。他曾受命于蓬帕杜夫人，领导了著名的赛夫里陶瓷工厂，又接受俄国女皇叶卡捷琳娜二世的委托作《彼得大帝骑马像》。

        法尔科奈的灵气和秀气，无人可及，他把法兰西雕刻的优雅柔美风格推到了顶点。他凿下的年轻女性，个个都是娇小玲珑，苗条婀娜，风流妩媚，充分体现法兰西的品格，而且她们不再是吉拉东的宁芙，虽然娇美却尚不许凡人触动，而是以玉温香馨的青春之体在邀人爱怜了。法尔科奈的作品不但造型生动，而且人物情态丰富细腻。蓬帕杜夫人的时代造就了他。

        洛可可风格是宫廷艺术，它起源于上层社会的需要。大部分制造这种艺术品的工匠在个人生活中是与它完全无缘的。比如塞夫里皇家瓷厂的瓷器，被用于国家的社交场合，就像今天的英国皇家将它们用于欢迎来访的外国元首的国宴上。洛可可装饰风格本身就成为这种盛宴场合的特色。塞夫里瓷器的设计由国王亲派的法尔科奈、布歇等艺术家完成，具体制作的工匠们没有钱也不能在日常家庭生活中使用它，只有那好赶时髦、朝三暮四的贵族使用。

        这种制造和消费特有循环圈，促成了贵族互相攀比的风气和设计走向极端奢华的两种现象。18世纪堪称是马车的黄金时代，达官贵族都拥有代表自己权势和等级的马车，相互攀比、竞相争艳。具体表现为：选用最上乘的木料做骨架，马车的款式奇异，以曲线居多，纹样多以植物为主，穿插一些优美神话故事为题材的装饰画，色调常以红、黄为主，再以金色统一整体，以昂贵的造价获得华丽气氛。这充分显示出贵族的审美情趣，同时，我们也为匠师们用自己的智慧和双手创造出如此精妙的作品而赞叹不已。

        我们从现代的角度审视18世纪的洛可可艺术，应该说蓬帕杜夫人是那些喜欢豪华风格者的代表人和组织者，有“众望所归”的特征。所以，才有洛可可风格作品出现后在贵族引起“共鸣”的时尚。也可以说，贵族们崇尚华丽的风气，诱发了洛可可艺术。当时上层社会的男男女女无不热心并亲自参加工艺活动，以至于这些举动有的达到令人讥笑和荒诞不经的地步。16世纪，当衰败的瓦卢瓦王的国王查理九世答应送给西班牙国王一支他亲自制作的枪时，那位西班牙大使为之惊诧不已。18世纪，路易十六的妻子玛丽成天抱怨他的丈夫沉湎在他的作坊中，甚至无暇顾及妻子，路易十六在他的作坊中潜心钻研的是钟和锁的奥秘。在这两例中我们似乎瞥见了那些把命运强加于他们身上的角色不相适应的悲剧性人们。这些人在体力劳动中发现了一个聊以自慰的世外桃源。但这对于不理朝政的帝王来说却是不祥之兆。

        另外，洛可可风格也在17、18世纪的法国音乐作品中发生影响，但远不如在造型艺术上那样显著。法国作曲家F.库普兰所作、深受国王路易十四欣赏的许多室内乐和哈普西科德曲，多玲珑纤巧，装饰华丽，与当时的建筑式样、室内修饰以至于家具构成等各方面在风格上颇有共同之处，这些作品常被认为是洛可可风格在音乐上的早期反映。法国作曲家 L.-C.达坎所作的许多哈普西科德曲也多带着洛可可色彩,特别是命名为《杜鹃》的更为典型。法国作曲家 J.-P.拉莫所作的许多芭蕾舞曲,以和声手法新颖著称，在风格上也属于洛可可一类。

        洛可可风格迅速地由法国流传至欧洲各国。在德国，G.F.亨德尔和巴赫等一代人的某些作品中，也都受到一定程度的影响。如亨德尔的《弥赛亚》中一些装饰富丽的复调写法，J.S.巴赫的《勃兰登堡协奏曲》中某些变化多端的片段甚至在J.海顿和W.A.莫扎特的一些逗人喜爱的轻松小品中，有时也还存在着洛可可的余音。

       意大利作曲家D.斯卡拉蒂留下的 600多首哈普西科德曲都非常精致，装饰富丽，是具有明显的洛可可风格的作品。这种风格延续至18世纪路易十五时代达到高潮，18世纪后期逐渐消亡。

        风靡一时的奇想多变的洛可可风格随着蓬帕杜夫人的亡故而终止，被路易十五另一情妇杜巴利夫人倡导的新古典主义而取代。但是，洛可可风格的璀璨之处，自有它超时代艺术生命力所在，现代人都公认它是19世纪下叶新艺术运动的前奏。而那些幸存的艺术精品，至今还散发着光芒，并向人们述说着那个岁月的时尚和人们不知道的故事。

       今天关于“洛可可风格油画”的探讨就到这里了。希望大家能够更深入地了解“洛可可风格油画”，并从我的答案中找到一些灵感。